메트 오케스트라 지휘자 세갱 "제일 잘 하는 프로그램 선보일 것"

최다은 기자

입력2024.05.29 15:57 수정2024.05.29 16:12

100년 넘는 역사 '어벤저스급' 메트 사단, 첫 내한
"인간이 만든 궁극의 예술, 그게 오페라죠"

"메트(MET)의 포디움에 선다는 건, 140년 넘게 이어지는 유산의 일부가 되는 거에요. 한 인간으로서 대단히 의미 있는 일이죠." (지휘자 야닉 네제 세갱)

'꿈의 무대'로 항상 언급되는 곳이 있다. 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 극장(메트)도 그 중 한다. 세계 최정상급 오페라 극장 메트의 음악을 담당하는 메트 오케스트라(메트로폴리탄 오페라 오케스트라) 역시 최고의 수준과 권위를 자랑한다. 1883년 창단한 이 악단은 말러, 토스카니니 등 여러 거장들이 거쳐갔으며 2018~2019 시즌부터 캐나다 출신 지휘자 야닉 네제 세갱(49)이 이끌고 있다.

메트 오케스트라와 메트의 주역 성악가들이 오는 6월 19일~20일 서울 롯데콘서트홀에서 첫 한국 공연을 갖는다. 세갱이 이끄는 메트 오케스트라와 함께 현역 최고의 메조 소프라노로 평가받는 엘리나 가랑차, 베이스 바리톤 크리스티안 반 혼, 소프라노 리제트 오로페사가 솔리스트로 나선다. 아시아 투어의 일환으로 내한하는 이들은 오페라와 교향곡이 섞인 '메트 하이라이트' 프로그램을 선보일 예정. 최근 서면으로 만난 세갱과 3명의 성악가들은 "세계 최고의 성악가, 연출가, 음악가를 비롯해 스태프, 디자이너 등 모든 구성원들이 하나의 비전으로 뭉쳤다"며 "최고의 공연을 위해 헌신하는 우리의 모습을 살펴봐달라"며 포부를 밝혔다.

세갱은 특히 프로그램 구성에 공을 들였다고 했다. "메트가 가장 잘 하고, 메트의 강점을 제일 잘 보여줄 수 있는 프로그램으로 구성했다"고 그는 말한다. 이들은 19일 바그너 오페라 '방황하는 네덜란드인' 서곡, 바르톡 오페라 '푸른 수염의 성' 등을 들려주며, 20일에는 모차르트 콘서트 아리아와 말러 교향곡 5번 등을 들려준다.

특히 이번에는 오페라 아리아뿐 아니라 국내에서 영화 '헤어질 결심' OST로 유명한 말러 교향곡 5번도 들려준다. 오페라 연주를 주로 하는 이들이 교향곡 레퍼토리를 들려주는 건 흔치 않다 . 세갱은 이에 대해 이렇게 말했다. "말러 5번은 오페라처럼 완전한 이야기를 담은 작품이에요. 메트 오케스트라 만이 보여줄 수 있는 생생한 스토리텔링에 매료될 것이라고 생각해요."

이들의 내한은 원래 2022년에 예정돼 있었지만, 팬데믹으로 취소됐다. 대규모 연주자들과 인력이 한 번에 모이는 오페라 극장에는 전례없는 위기가 찾아왔다. 세갱은 당시를 떠올리며 "지휘자인 저는 혼자 소리 낼 수 없기에 동료들을 보지 못한다는 것이 힘들었다"며 "팬데믹이라는 위기로 인해 음악의 의미와 역할에 대해 새로 이해하게 된 것 같다"고 말했다.

"팬데믹 기간 동안 가장 그리웠던 것은 협업이었습니다.100명 이상의 서로 다른 목소리와 개성을 가진 사람들이 하나의 목적으로 모여 음악을 한다는 건 드문 일이죠. 이때 예술과 음악이 우리를 연결해준다는 것을 알았습니다. 이런 깨달음은 저의 리더십 스타일에 영향을 미쳤어요"

세갱에 대해 성악가들은 "가수를 진정으로 이해하고, 세심하게 경청하는 진정한 협력자"라고 입을 모았다. 가랑차는 "그는 우리와 함께 호흡하며 음악을 깊이 느끼기 때문에 상호 이해도가 매우 높다"고 말했다. 반 혼은 "경청하고 인내하는 사람이며, 진정으로 협업하는 보기 드문 마에스트로"라고 평했다.

메트는 트렌드에 민감한 극장으로 평가받는다. 현대 오페라 공연을 확대하고, 라이브 공연 콘텐츠를 만드는 것이 대표적이다. 이들은 전통뿐 아니라 혁신에도 관심이 많다. 세갱은 "어떤 분야에서든 혁신의 최전선에 서서 우리 주변 세계에 반응하는 것이 리더의 책임"이라며 "새로운 작품을 올리고 우리 시대의 오페라 이야기를 알리기 위해 노력하는 이유"라고 했다.

성악가들 역시 오페라의 매력과 가치를 알리는 것에 열중하고 있다. 오르페소는 "오페라는 인간이 만든 완전하고 궁긍적인 예술 형식"이라며 "인위적인 간섭을 최소화하며 만든다는 점이 오페라의 매력"이라고 언급했다. “오페라는 단순한 음악과 드라마가 아니라, 인간의 본성을 비추는 거울과 같아요. 사랑, 증오, 음모, 모험, 역사 등 인류가 겪어온 모든 것들이 들어있죠. 400년이 넘는 역사를 통해 지속돼 온 최고의 스토리텔러라고 볼 수 있지 않을까요."

최다은 기자 max@hankyung.com

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‘우리 시대 바그너’ 존 윌리엄스의 영화음악에 숨 죽인 객석

인류 최초의 영화음악가는 누구였을까. 영화 이전의 사람이지만, 리하르트 바그너라고 나는 생각한다. 1876년의 바이로이트 축제극장은 객석을 완전히 깜깜하게 만들었다. 오케스트라 피트도 일부는 무대 밑으로 넣고 일부는 덮개로 가려서 관객의 눈에 보이지 않도록 했다. 다른 오페라 극장에선 일찌기 없었던 일이다. 관객이 무대 위에서 벌어지는 일에만 집중하도록 만든 것이다. 당대의 관객이 바이로이트 무대에서 절대반지의 신화를 보고 들으며 느낀 시청각적 전율은 현대의 영화 관객이 <반지의 제왕>상영관에서 느낀 것 이상이었을 것이다. 바그너의 진전을 이은 우리 시대의 작곡가를 거론할 때 존 윌리엄스를 빼놓고 말할 수 있을까.▶▶▶(인물 소개) 존 윌리엄스, 영화음악의 거장이자 우리 시대의 바그너주요인물이나 주제 등에 대한 유도동기들을 만들고, 그걸 엮어서 음악으로 서사를 구축하고, 때로는 스크린에 상황이 벌어지지 않아도 음악으로 스토리텔링을 하는 등, 극음악 작곡가로서 바그너가 선보인 많은 기법들을 망라해 현대의 영화에 맞는 오케스트라 음악을 만들어낸 업적이 크다. 존 윌리엄스를 현대음악계에서 어느 정도로 인정하는지 모르겠지만 (그는 순수음악 작품들도 썼다), 그의 영화음악은 전세계인들로부터 20세기 이후의 클래식으로 받아들여지고 있다. 존 윌리엄스의 곡들은 음악적으로도 훌륭한 내용을 갖고 있는데, 세계적으로 히트하게 된 데는 대중의 귀에 착착 감기는 주제 멜로디들의 역할이 컸다고 생각한다. <쉰들러리스트>나 <레이더스>, <ET> 등의 주제선율은 영화 자체도 유명하지만 그 자체로서 얼마나 많은 사람들의 사랑을 받았는가.특히 <스타워즈> 주제가는 클래식 오케스트라의 공연에서도 앵콜곡으로 인기가 높다. 어느 해였던가, 런던심포니 내한공연에서 앵콜곡으로 스타워즈 주제가를 연주했는데, 서주가 울려퍼짐과 동시에 객석에서 탄성이 터져나왔고 곡이 끝나자 열광의 도가니가 되어 끓어올랐던 기억이 있다.최근 몇년 사이엔 존 윌리엄스 본인이 빈필과 베를린필을 직접 지휘한 콘서트가 음반과 영상물로도 발매돼 큰 인기를 끈 바 있다. 이번에 비슷하게나마 서울에서도 그 맛을 볼 기회가 있었다. <월드 유니온 오케스트라 슈퍼 클래식>이라는 타이틀로 빈필, 베를린필, 콘체르트헤보우, 뉴욕필, KBS교향악단 등의 연주자들이 모여 5월19일(일) 예술의전당, 20일(월) 롯데콘서트홀에서 존 윌리엄스 영화음악 콘서트를 연 것이다. <죠스(Jaws)> 등 몇몇 곡은 오케스트라 실제 연주로 처음 들었다. 연주 효과는 실로 놀라웠다. 거대한 북이 으르렁대며 불안한 긴장을 조성하고, 베이스의 저음이 상어의 위협적인 접근을 경고하는데…정말로 내가 바닷물 속에서 상어에게 쫓기는 듯 소름이 돋았다. 바그너의 <니벨룽의 반지>에서 절대반지를 지키는 용 ‘파프너’가 깨어나는 장면의 오마주 아닐까 싶었는데, 파프너보다 죠스가 훨씬 빠르고 강한 몬스터라는 느낌이었다. ‘존 윌리엄스는 현대의 바그너’라는 내 주장을 현장에서 확인한 것 같아 뿌듯했다.<슈퍼맨>과 <인디아나 존스(레이더스)> 주제곡이 울려퍼질 때는 가슴속에서 뭔가 뜨끈한 것이 치밀어 올랐다. 곡 자체도 사람을 흥분시키는 효과가 다분했지만, 개봉관 건물을 빙 돌아 줄을 서서 이 영화들을 보던 어린 시절로 타임머신 타고 돌아가는 느낌이 들었다. 미처 예상못한 감정이었다. 오케스트라가 연주하는 클래식 연관 장르의 음악 중에, 이만큼 전세계에서 많은 사람들이 공감할 수 있는 음악이 또 있을까? 콘서트 후반부에는 “새로운 희망”, “클론의 습격”. “루크와 레이아” “시스의 복수” 등 <스타워즈>의 곡들이 잇따라 연주됐다. 가히 <스타워즈 모음곡(Star Wars Suite)>이라 할 만 했다. 바그너 <니벨룽의 반지>의 오케스트라 편곡판 하이라이트인 <노래 없는 반지(Ring Without Words)>에 필적할 현대의 걸작 이었다! 존 윌리엄스의 음악적 변화도 느껴졌다. 1970~80년대 작품에서는 귀에 착착 붙는 주제선율과 금관의 멜로디 연주가 두드러졌다면, 2000년대 이후 스타워즈 시리즈의 음악들은 보다 텍스처가 두터워지고 무거워진 느낌이었다. 아나킨과 오비완이 용암지옥에서 광선검으로 사투를 벌이는 장면의 음악은 - 영화를 볼 때도 대단했지만 음악만 따로 연주되는 걸 들어보니 - 처절함을 넘어 숭고함까지 느껴졌다. 아르떼 필진이기도 한 뉴욕의 김동민 지휘자에 따르면 미국에선 이미 스타워즈 모음곡이 클래식 오케스트라의 필수 레퍼토리로서 자주 연주된다는데, 유럽이나 아시아 각국의 일반 콘서트 프로그램으로도 더 자주 채택되지 않을까 싶다. 30년, 50년 후에는 바그너 작품의 축약판인 <노래 없는 반지(Ring Without Words)>가 존 윌리엄스의 스타워즈 모음곡에 밀려나는 비극이 생기지 않을까 우려될 정도다. 표값이 비싼 편이었는데도 예술의전당 콘서트홀은 빈자리가 거의 없이 가득찼다. 비슷한 가격의 외국 오케스트라 내한공연이 열리면 비싼 초대권을 받은 사람이 실제로는 오지 않아서 객석에 구멍이 숭숭 뚫리는 가슴 아픈 광경이 벌어지곤 하는데, 그런 모습을 거의 볼 수 없었다. 객석의 몰입도와 반응도 이례적이었다. 매니아 관객의 비중이 낮은 유명단체 공연은 휴대폰 소음 등 이른바 ‘관크(관람 집중을 방해하는 행위)’가 심한 편이지만, 이날은 콘서트홀에 처음 오신 듯한 분들도 비교적 정숙을 유지한 채 공연에 집중하는 게 느껴졌다. ‘콘서트홀에서 듣는 진짜 오케스트라의 소리가 이런 거구나’를 경험한 사람들이 앞으로 일반 클래식 공연도 더 자주 찾는다면 얼마나 좋을까. 다음엔 존 윌리엄스 본인이 직접 오셔서 지휘를 해 주시면 좋겠다. 가까운 일본에선 사이토키넨 오케스트라를 지휘해서 <존 윌리엄스 인 도쿄>라고 얼마전에 음반도 나왔던데, <존 윌리엄스 인 서울>도 실현되길 바란다. 1932년생으로 올해 92세라니 시간이 많지 않다.이현식 음악칼럼니스트
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사진에서 바이올리니스트 박지윤만 빼고 다 지워버릴테야

바이올리니스트 박지윤은 라디오 프랑스 필하모닉의 종신 악장으로 오케스트라뿐 아니라 실내악 연주자나 솔리스트로도 활발하게 활동하고 있다. 최근 서울시향 정기공연에서 오케스트라 객원 악장으로 다시 만났는데 여전히 반갑고 정겨웠다.박지윤을 만났을 때 갑자기 프랑스를 대표하는 삽화가 장자크 상페(Jean-Jacques Sempé)의 그림이 생각났다. 상페는 악단 연주자를 동경하던 어린 시절의 꿈을 좋아하는 연주자들을 그리는 걸로 대신하면서 삽화가의 길로 들어섰고 유명해진 작가이다. 나는 그의 대표작 중 하나인 <꼬마 니콜라> 책을 보면서 상페를 알게 되었는데, 음악과 관련된 그림 가운데 마음에 드는 것을 골라 액자에 넣어 장식용으로 만들어 놓곤 했다. 데생에 담백하게 채색한 것도 맘에 들고, 그림마다 공감을 이끌어내는 포인트가 있었다.또한 삽화가의 작업답게 그의 그림에는 눈길을 끄는 부분을 정해 놓고 나머지는 여백으로 처리하는 대담함이 있다. 사진에 빗대자면 작가가 주인공이나 강조하고픈 오브제를 클로즈업하면서 나머지 부분들을 아웃 포커싱시켜서 집중도를 확 없애버리는 느낌이랄까. 그냥 순수하게 음미하게 되는 그림들이다.상페가 1978~2009년에 걸쳐 그린 미국 <뉴요커>지의 표지화를 모아놓은 작품집 <뉴욕의 상페>를 구입한 적이 있다. 작가는 파리에서 <뉴요커> 잡지를 보면서 꿈을 키우는 동시에, 거기 실린 풍자화의 ‘감각적인 생략법’(말없이 말하는 것)에 충격을 받았다고 한다. 상페 역시 노력을 통해 작품을 여러 차례 비워내고 채우는 과정을 거치면서 대사 없이 말하는 그림을 그리게 되었다.그의 그림 속 등장인물들은 내가 사는 세상 속 주변 인물 또는 나 같았고, 우리가 살아가는 세상의 본질을 투영하는 것일 수도 있다는 느낌이 들었다. 뉴욕 건물 외부계단 및 테라스에서 홀로 악기를 연주하고, 수영장이 있는 마당에서 트롬본을 부는 두 남자, 연미복 차림의 무대 뒤 단원들, 피아노 레슨을 받는 아이와 그 옆에 나란히 앉아서 기다리는 아이들…. 이런 소소한 이야기들이 나는 진심으로 좋다.지금은 말할 것도 없지만 어린 시절부터 박지윤의 연주를 보고 있으면 늘 자신감, 당당함이 느껴지곤 했다. 여름날 그늘에서 느껴지는 시원한 바람과 닮았다고 할까. 그녀의 연주는 거침이 없어서 늘 개운하게 들린다. 항상 배시시 웃으며 상냥한 눈웃음을 짓던 그녀가 어린 시절의 모습 그대로 이제는 성숙한 어머니이자 오케스트라의 악장이 되었다.오케스트라 악장은 영어로는 콘서트마스터인데 이탈리아에서는 ‘오케스트라의 어깨’라고 불린다고 한다. 왜 악장은 항상 바이올리니스트가 맡는 것인지 궁금했는데, 17세기 말 작곡가이자 바이올리니스트였던 아르칸젤로 코렐리가 오케스트라 맨 앞에 앉아 바이올린을 켜다가 이따금 활을 지휘봉처럼 사용하면서 악단을 이끌어갔다고 한다. 이후 전문 지휘자가 생기고 수석 바이올리니스트는 그대로 악장 역할을 하게 되었다고 한다.박지윤이 2018년 라디오 프랑스 필하모닉 악장에 임명되었다는 소식을 듣고 무척 기뻤다. 정명훈 지휘자가 이끌었던 오케스트라여서인지 이름도 익숙했는데 거기에 박지윤이 종신 악장이라니, 대단한 일이었다. 이때 이후로 그 오케스트라를 대할 땐 악장 자리부터 먼저 확인하는 습관이 생겼다.한국에 객원 악장으로 온 그녀를 다시 만나게 되었다는 감사함과 반가움도 잠시, 박지윤에게 아무도 없는(다시 말해 오케스트라 의자와 보면대만 있는) 무대 위에 악장 자리에서 바이올리니스트가 혼자 연습하고 있는 장면을 찍고 싶다고 말했다.갑자기 떠오른 아이디어였다. 사진은 찰나의 예술이기 때문에 불현듯 머리에 떠오르는 영감을 재빨리 실행에 옮길 필요가 있다. 결과가 어찌 되는 간에 말이다. 박지윤도 흔쾌히 동의했지만, 리허설이 끝난 후 무대 위를 소등하기 전까지 몇 분 남지 않았는데 무대에서 빨리 철수하지 않는 연주자들이 있어 원하는 이미지를 담지는 못했다. 어쩔 수 없는 일이었다. 사전에 통보한 사항이 아니었기 때문이다.결국 이 아이디어는 다음으로 미룰 수밖에 없었다. 일단 아쉬운 대로 급하게 객석과 무대에서 망원렌즈로 촬영했지만 상페의 그림에서 받았던 그 느낌은 찾을 수 없었다. 또 기회가 오겠지 하며 아쉬움을 달래던 도중, 파리에 가게 된다면 라디오 프랑스 필하모닉 오케스트라 연습공간에서 촬영해 보고 싶다는 생각도 들었다. 괜찮은 생각 같았다. 즉흥적인 데가 다분한 내게는 사진이라는 예술이 딱 어울린다. 결과를 확인하기도 쉽고, 설령 결과가 마음에 들지 않더라도 그게 누구에게 피해를 주지는 않으니까. 그래도 ‘안 되면 말지 뭐’ 같은 생각은 하지 않는다. 일단 아이디어가 떠오르면 최선을 다해 구체화하려고 애쓰기는 한다. 그런 자세가 아니라면 오던 아이디어도 도로 달아난다고 믿기 때문이다.박지윤은 2004년 티보 바르가 국제 바이올린 콩쿠르에서 최연소로 우승과 청중상을 수상하면서 세계 무대에 이름을 알리기 시작했다. 수차례 금호아트홀에서 공연을 해왔고, 실력 있는 연주자로 명성이 자자하다. 활동을 열심히 하다가 어느 핸가 프랑스에 있을 때 어깨 부상으로 몇 달간 여행을 하면서 마음을 가다듬는 시간이 있었다고 한다.살아가다 보면 몸이나 마음이 신호를 보내는 때가 온다. 이런 신호는 무시하지 않고 잘 해독해야 한다. 연주를 하다 보면 특정한 자세에서 비롯하는 직업병이 생기기 마련인데, 그런 직업병이 생기지 않도록 평소에 관리하는 게 최선이겠지만 일단 생겼다 싶으면 재빨리 대처해야 한다. 휴식을 취하면서 집중적으로 치료해야 한다는 얘기다. 연주자로서 먼 길을 가는 도중에 잠깐 휴게소에 들러 한숨 돌리기도 하고 연료를 새로 채운다고 생각하면 되지 않을까 싶다. 인생의 정류장은 앞으로 더 남았을 테니…. 몸과 마음을 잘 추슬러내어 다시 무대로 복귀한 박지윤이 앞으로도 왕성한 활동을 펼치기 바란다.박지윤은 2024년에 서거 100주년을 맞이하는 프랑스 작곡가 가브리엘 포레(1845~1924)에 남다른 애정이 있다고 한다. 나 역시 포레의 음악을 좋아하는데, 특히 ‘꿈을 꾼 후에’라는 곡이 마음에 들어 종종 듣곤 한다. 원래는 가곡이지만 실내악으로 편곡해 연주하는 경우도 많은데 나는 둘 다 좋다. 여행 때 차곡차곡 쌓은 흥미로운 순간을 포착한 사진 속으로 들어가 있는 듯한 느낌을 주는 곡이다. 낭만적이면서도 섬세하고 우아한 악상이 달콤하고 즐거웠던 여행으로 되돌아가는 느낌을 받게 만든다. 혹시 박지윤도 그런 기분을 느끼는 건 아닐까. 다음에 만나면 한번 물어봐야겠다.[박지윤 바이올린 리사이틀: 포레 서거 100주년 기념 '꿈을 꾼 후에' 공연 중 '바이올린과 피아노를 위한 소나타 제1번 가장조 Op. 13']이역만리 떨어진 곳에서 이방인으로 지낸다는 건 쉬운 일은 아니다. 견디지 못하고 향수병에 걸리는 사람도 있을 것이고, 그렇다 해서 비난할 일도 아니다. 하지만 이를 견뎌내는 사람은 전보다 더욱 강해지고 풍요로워지는 법이다. 파리에 정착한 박지윤은 이제 한낱 이방인이 아니라 라디오 프랑스 필하모닉의 역사적인 증인이자 원동력이 되었다. 그녀가 앞으로도 오케스트라의 어깨이자 심장으로서 지휘자와 단원들 사이를 멋지게 연결해 주리라 기대해 본다. 예술가의 진짜 작품은 그가 세상에 존재하는 방식이다.릭 루빈 <창조적 행위: 존재의 방식> 중구본숙 사진작가
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“이런 잡지 기다렸다”…세상에 없던 문화예술 월간지 아르떼매거진 창간

한국경제신문이 선보이는 세상에 없던 문화예술 월간지 '아르떼 매거진' 창간호가 27일 독자들과 만났다. 클래식 음악부터 미술, 공연, 영화, 문학 등 삶에 영감을 주는 다양한 예술 장르의 이슈를 한 권으로 아우른 국내 유일의 잡지다. 바쁜 일상 속 잠깐 잊고 지내던 ‘읽는 감동’까지 되살린 고품격 매거진의 출간 소식에 예술 애호가들의 호평이 이어지고 있다.아르떼 매거진은 '리뷰와 칼럼의 허브' 아르떼 포털 출범 1주년을 맞아 한국경제신문이 ‘천천히, 늘 곁에 두는 럭셔리’를 목표로 선보이는 또 하나의 문화예술 미디어다. MUSIC(음악), ART(미술), STAGE·CINE(공연·영화), LIFE(라이프) 등 4개 섹션으로 이뤄진 아르떼 매거진은 전문 필진이 예술가들과 나눈 속 깊은 인터뷰부터 화제의 공연 리뷰, 식견을 넓히는 예리한 칼럼을 전한다. 매호 세계적인 예술가를 집중 분석하는 ‘커버 스토리’를 선보이는데, 창간호에서는 30년째 적수가 없다는 평가를 받는 미국의 바이올리니스트 힐러리 한을 주인공으로 소개했다. 피아니스트 조성진과 일주일 동행하며 한층 깊어진 음악 세계를 탐구하고, 베네치아 비엔날레를 직접 발로 뛰며 가져온 뒷이야기도 실었다.아르떼 매거진의 차별화된 콘텐츠를 접한 문화예술계 인사들은 “이런 잡지를 오랫동안 기다려 왔다”며 기대감을 드러내고 있다. 무엇보다 음악·미술 등 예술 장르 간 경계를 허물고 다양한 정보를 담았단 점에서 높은 평가를 내렸다. 리움, 호암미술관을 운영하는 류문형 삼성문화재단 대표는 “미술계 소식도 풍부하지만, 미술 분야에 갇히지 않고 공연이나 클래식 같은 문화예술 전 분야에 걸친 인사이트를 얻을 수 있어 유익하다”고 말했다.한국경제신문은 아르떼 매거진 창간을 기념해 정기구독 신청자를 대상으로 직접 문화예술을 보고, 듣고, 느낄 수 있는 풍성한 경품 증정 이벤트도 마련했다. 한경아르떼필하모닉의 창간 기념 연주회 입장권을 선착순 300명에게 1인당 두 장씩 주고, 세계 3대 오케스트라 내한 공연에도 초청한다. 한국경제신문 주최로 올 11월부터 국립중앙박물관에서 열리는 ‘오스트리아 레오폴트미술관 특별전-빈 모더니즘의 탄생’ 등 블록버스터급 미술 전시회에도 선착순으로 초대한다.유승목 기자