"똑똑, 집 보러 왔어요"타인의 취향이 가득 담긴 집에 들어가보는 것은 언제나 설레는 일이다. 삶의 향기가 묻은 안방과 거실, 응접실과 테라스를 구석구석 돌아다닐 수 있는 기회는 더욱 흔치 않다. 지금, 서울 성수동에는 5가지 '취향 가옥'의 문이 열렸다. 김환기, 박서보에서 파블로 피카소까지 … 집안 곳곳에 걸린 작품들을 감상하는 건 덤. 모두 다른 직업을 가지고, 다른 일상을 꾸려가는 5인의 취향을 훔쳐보자. 프랑스에서 활동한 '건축 거장' 르 코르뷔지에는 집을 두고 '삶의 보물창고'라고 말했다. 그만큼 인간에게 집이라는 장소는 단지 휴식이나 숙식만을 위한 공간이 아니다. 코로나19 팬데믹을 겪으며 개인에게 집의 의미는 더욱 커졌다. 주거와 업무, 휴식 공간의 구분이 모호해지면서다.집에서 많은 시간을 보내며 사람들은 자신이 사랑하는 모든 존재들을 방 안으로 들여왔다. 그렇게 우리에게 집은 여가와 취미 그 자체가 됐다. 이 때 예술 작품은 가장 중요한 역할을 했다. 수장고에만 '모셔두던' 그림과 조각, 설치작품들을 집 곳곳에 꺼내놓기 시작했다. 대림미술관의 개관 10주년 특별 전시 '취향가옥: Art in Life, Life in Art'의 아이디어도 이 지점에서 출발했다.미술관이나 갤러리를 방문해야만 관람할 수 있던 거장들의 작품을 집안에서 만난다면 어떨까'라는 상상은 현실이 됐다. 대림미술관이 성수동 디뮤지엄 대형 전시장 3층을 모두 뜯어 '진짜 집'을 들여놓으면서다. 이곳 전시장에 차려진 모든 공간은 단순히 구색만 갖춰 만든 '깡통 집'이 아니다. 거실과 방, 주방은 물론 화장실도 갖고 있다. 각 방 화장실에는 샤워 부스,
'Ua a'o 'ia 'o ia e ia 우아 아오 이아 오 이아 에 이아' 지난 19일, 서울 중구 서울시립미술관 서소문본관에는 이 문장이 적힌 포스터거 크게 걸렸다. 의미가 무엇인가 해석하기 이전에, 어떻게 발음해야 하는지조차 헷갈리는 문구다. 어려운 것이 당연하다. 이 문장은 하와이 원주민들이 쓰는 하와이어와 한글 표음을 병치해서 만들었기 때문이다. 관객이 읽기도 어려운 문장을 자신의 개인전 제목으로 내건 작가가 있다. 하와이와 미국 뉴욕에 기반을 두고 활동을 펼치는 작가 김성환이 그 주인공이다. 아무런 뜻이 없는 글자의 조합처럼 보이는 전시 제목엔 올해 49세를 맞은 한 남자, 김성환의 인생이 담겨 있다.스스로가 작업을 펼치며 작품의 주된 배경이 되는 하와이와 작가의 뿌리이며, 전시가 열리는 대한민국을 전시 제목을 통해 하나로 이어놓은 것이다. 부제 '그가 그에게 배웠다. 그에 의해 가르침을'를 붙이며 그가 작업 인생 내내 고민해 온 '앎이란 무엇인가'에 대해서도 말한다. 김성환은 한국 관객들에겐 다소 익숙하지 않은 작가다. 해외 활동에 비해 국내 활동이 상대적으로 적었기 때문이다. 하지만 2007년 에르메스 코리아 미술상을 수상하며 미술계에 점차 이름을 알린 그는 영국 런던 테이트 모던, 미국 뉴욕현대미술관(MoMA) 등 세계 유수 미술관에서 개인전을 열며 해외 관객들의 찬사를 받고 있다. 서울시립미술관은 그런 김성환을 국내 관객에게 소개하기 위해 서소문본관 2~3층을 모두 내어줬다. 오직 한 사람만을 위한 대형 전시를 열어준 셈이다. 이번 전시는 동시대 한국 작가를 조명하는 연례전의 일환으로 기획됐다. 이로써 김성환은 2021년 이불, 20
"나에게 대담하고 흥미로운 일이 아니라면 해봐야 의미가 없다"지난 8월 88세의 나이로 세상을 떠난 작가 케이이치 타나아미가 생전 신념처럼 여긴 문장이다. '누구나 할 수 있는 예술'은 그의 관심을 끌지 못했기에 그는 항상 새로운 세상을 탐구하는 길을 택했다. 그렇게 타나아미는 '동양의 앤디 워홀'로 이름을 알리며 아시아 미술계에 '팝아트'라는 새로운 장르를 개척한 작가가 됐다.최근 걸그룹 뉴진스의 앨범 표지와 컨셉 전반을 디자인하며 다시 한 번 주목을 받고 있는 '일본 팝아트 거장' 무라카미 다카시도 타나아미를 뒤따라 작업을 펼쳤다. 대중에게는 다카시가 창시했다고 알려져 있지만, 사실상 일본 만화와 애니메이션에 영향을 받은 미술 사조인 '슈퍼플랫'의 선구자가 타나아미이기 때문이다. 아시아 예술계에 팝아트라는 새로운 장르를 개척하며 '동양의 앤디 워홀'로 불린 케이이치 타나아미의 미술 세계가 서울에 펄쳐졌다. 서울 종로구 대림미술관에서 열리는 타나아미의 개인전 '아임 디 오리진'을 통해서다. 전시 규모도 크다. 그가 작고하기 직전까지 총 60년간 제작한 작품 700여 점을 선보인다. 케이이치 타나아미를 집중 조명하는 특별전이 한국에서 열리는 건 이번이 처음이다.타나아미는 섬유 도매를 하던 부모님에게서 태어나 어릴 적부터 만화가가 되는 것을 꿈꿨다. '정통 미술'의 길 대신 디자인에 더 관심이 많았다. 그래픽 디자인학을 전공하게 된 타나아미는 졸업장을 받은 직후 그래픽 디자이너로 일을 시작했다. 그의 재능을 가장 먼저 알아본 이들은 당시 유행하던 '록 밴드'였다. 밴드 제퍼슨 에어플레인
미국 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA)이 한국인 수석큐레이터 주은지(사진)를 돌연 해고했다. 미술관은 지난 17일 현지 매체를 통해 “직장 내 비위 행위(Workplace misconduct)에 대한 기관 내부 규율에 따라 주은지를 업무에서 배제했다”고 발표했다. 자세한 해고 사유에 대해서는 “인사 문제에 관한 구체적인 내용은 언급할 수 없다”고 덧붙였다.주은지는 2017년부터 샌프란시스코 현대미술관에서 현대미술 부문 수석큐레이터로 선임돼 활동했다. 2003년부터 2007년까지 미국 로스앤젤레스(LA) 레드캣 미술관의 창립 큐레이터였으며, 이후 2012년까지 뉴욕 뉴뮤지엄에서 교육 및 공공 프로그램을 디렉팅했다. 2009년 베네치아 비엔날레, 2015년 샤르자 비엔날레에서 한국관을 큐레이팅해 세계의 주목을 받았다.주은지의 갑작스러운 해고가 미술계의 관심을 끈 이유는 그가 샌프란시스코 현대미술관 대규모 확장 이후 선임된 최초의 현대미술 큐레이터이기 때문이다. 그는 재임 중 미술관이 운영하는 신진 미디어 아티스트 지원 프로그램에도 참가했다.주은지는 2019년 다국적 아티스트 20인을 모아 그들의 최신작과 새로운 실험작들을 선보이는 전시회 ‘소프트 파워’를 열며 샌프란시스코 현대미술관 큐레이터로 데뷔했다. 전시를 통해 작가가 예술로 사회를 발전시키는 방법에 대해 질문을 던지며 세계 미술계의 찬사를 받았다.그는 재임 기간 내내 사회적 메시지를 전하는 작가들을 발굴해 전시를 꾸미는 큐레이터로 잘 알려졌다. 시민 투쟁, 독재, 문화적 경험에 대한 메시지를 담은 작품을 만드는 필리핀 작가 파시타 아바드를 샌프란시스코로 초청해 첫 번째 회고전을 열어줬다.주은지가 지난
미국 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA)이 한국인 수석 큐레이터 주은지를 돌연 해고했다. 미술관은 지난 17일 현지 매체를 통해 "직장 내 비위행위(Workplace misconduct)에 대한 기관 내부 규율에 따라 주은지를 업무에서 배제했다"고 발표했다. 자세한 해고 사유에 대해서는 "인사 문제에 대한 구체적인 내용에 대해서는 언급할 수 없다"고 덧붙였다.주은지는 2017년부터 샌프란시스코 현대미술관에서 현대미술 부문 수석 큐레이터로 선임되어 활동했다. 2003년부터 2007년까지 미국 로스앤젤레스(LA) 레드캣 미술관의 창립 큐레이터였으며, 이후 2012년까지 뉴욕의 뉴 뮤지엄서 교육 및 공공 프로그램을 디렉팅하기도 했다. 2009년 베니스 비엔날레, 2015년 샤르자 비엔날레에서 한국관을 큐레이팅하면서 세계의 주목을 받았다. 주은지의 갑작스러운 해고가 더욱 미술계의 관심을 끈 이유는 그가 샌프란시스코 현대미술관 대규모 확장 이후 선임된 최초의 현대미술 큐레이터였기 때문이다. 그는 재임 중 미술관이 진행하는 신진 미디어 아티스트 지원 프로그램에도 참가했다. 주은지는 2019년 다국적 아티스트 20인을 모아 그들의 최신작과 새로운 실험작들을 선보이는 전시회를 '소프트 파워'를 열며 샌프란시스코 현대미술관 큐레이터로 데뷔했다. 전시를 통해 작가가 예술을 활용해 사회를 발전시키는 방법에 대해 질문을 던지며 세계 미술계의 찬사를 받기도 했다. 그는 재임 기간 내내 사회적 메시지를 전하는 작가들을 발굴해 전시를 꾸미는 큐레이터로 잘 알려졌다. 시민 투쟁, 독재, 문화적 경험에 대한 메시지를 담은 작품을 만드는 필리핀 작가 파시타 아바드를 샌프란시스
Mak2(사진)는 홍콩에서 온 1989년생 ‘MZ 작가’다. 그가 창조한 회화의 가장 큰 특징은 모두 3분할로 나뉘어 있다는 것. 분할된 3개의 화면은 매끄럽게 이어지지 않는다. 모두 다른 사람이 그린 것이기 때문이다. 그는 작가지만 그림을 그리지 않는다. 화면 이미지만 만든 뒤 인터넷에서 활동하는 작가들을 찾아 그림을 맡긴다. 3분할 그림을 3명의 작가가 그리는 셈이다.그는 작품 배경을 시뮬레이션 게임 ‘심즈’를 통해 만든다. 실제 존재하지 않는 ‘인공 세상’이지만, 공간을 구성할 때는 항상 풍수지리를 신경 쓴다. 그렇게 심즈에서 형성한 인공 세상의 스크린샷을 찍은 뒤 같은 크기의 3개 화면으로 나눠 3명의 작가에게 한 면씩 전달한다. 그림이 도착하면 3개 화면을 합쳐 한 작품으로 탄생시킨다.그가 창조한 회화는 대부분 사회를 향한 풍자의 메시지를 던진다. 사회적 메시지를 전할 때도 진지한 표현 대신 엉뚱함을 택한다. 와이파이가 내장된 소 등 ‘가짜 뉴스’가 만연한 세상을 꼬집는다. 인간이라면 거짓을 구분해야 한다는 메시지를 전하기 위해서다.최지희 기자
![[이 아침의 작가] 그림 그리지 않는 그림작가…가짜가 만연한 세상 꼬집다](https://img.hankyung.com/photo/202412/AA.38996952.3.jpg)
서울 청담동 거리에 2022년 자리를 튼 미국 갤러리 글래드스톤. 한국에서 조명받지 않은 작가들을 선보이며 미술 애호가들 사이에서 인기를 얻었다. 최근 이곳에서 개인전 ‘더블 제미니’를 열고 있는 미국 오하이오 출신 작가 리처드 알드리치(사진)도 이번이 첫 한국 전시다.1975년생인 알드리치는 미술을 전문적으로 배운 미술학도가 아니었다. 대학에서는 심리학을 전공했다. 하지만 대학생 알드리치의 관심을 끈 건 예술이었다. 학교 건물을 뒤져 아무도 쓰지 않는 작은 골방을 찾아내 그림을 그리며 작가의 꿈을 키웠다. 2003년부터 전업 작가가 됐고, 2010년 휘트니비엔날레에서 조각 작품을 선보이며 주목받았다.처음으로 개인전을 통해 한국 관객을 만나는 자리이기에 그는 작품만큼 전시 구성에도 공을 들였다. 글래드스톤 서울의 지하와 지상 공간을 활용하는 방법을 고민했다. 그는 “하나의 건물이지만 완전히 다른 공간처럼 여겨지도록 구성했다”며 “전시 제목인 ‘제미니’가 뜻하는 쌍둥이자리를 공간으로 표현한 것”이라고 설명했다.알드리치의 이야기처럼 갤러리의 두 층은 완벽히 다른 공간으로 꾸며졌다. 지상층은 햇빛과 흰색 색감을 활용해 밝게, 지하층은 회색 카펫과 어두운 조명을 이용해 차분하게 구성했다. 그는 “밝은 1층은 외부에서 바라보는 밝은 나를 담았다면 아래층은 어두움과 고독을 가진 나의 내면을 풀어냈다”고 말했다.알드리치는 게임, 만화, TV 등 다양한 매체에 관심이 많은 작가다. 이들 매체에서 일상적 이미지를 차용해 캔버스에 옮겨놓은 작품을 선보인다. 그는 “잠깐 쉴 때 하는 모바일 게임에서도 이미지를 빌려오는 등 나
강렬한 붉은 색 그림들이 미술관을 점령했다. 눈길이 닿는 곳엔 모두 '빨간색' 뿐이다. 빨간 그림을 자세히 들여다보면 구름과 하늘, 산과 바다 등 자연의 풍경을 마주할 수 있다. 새빨간 색으로만 그려낸 산수화인 셈이다. 미술관을 붉은 풍경으로 물들인 작가는 이세현. 그는 '붉은 산수'를 그리는 작가로 해외에서 먼저 이름을 알린 작가다. 그런 이세현이 서울 은평구 사비나미술관에서 개인전을 '빛나고 흐르고 영원한 것'을 열고 자신의 트레이드마크인 '붉은 산수'의 세계로 관객을 초대하고 있다.그가 이번 전시를 준비하며 가장 집중한 건 '개인'이다. 지금까지 산수화를 통해 분단과 전쟁 등 역사와 사회에 대한 비판적인 시선을 표현해 온 그이지만, 이번 전시를 통해서는 외부에 집중하기보다는 인간에 대한 성찰을 하고자 한 것이다.전시장에서 만난 이세현은 "드넓은 우주에서 바라본 인간의 모습을 산수 안에 그려넣으며 '우주 속의 나는 어디에 있는가'를 성찰했다"고 했다. 이어 "최근 벌어지는 전쟁 등을 겪으며 인간 삶의 덧없음에 대해 생각했다"는 그는 "우주에서 보면 인간은 먼지에 불과한데 왜 우리는 이토록 잔혹하게 살아가는가에 대한 메시지를 그림에 담았다"고 했다. 시끄러운 인간 세상을 그린 그림에 은하수를 새겨넣기도 했다. 우주의 아름다움과 잔혹한 현실의 대비를 표현하기 위해서다. 이번 전시는 이세현에게 '자아 성찰'의 기회가 됐다. 매일 12시간씩 작업을 한다는 이세현에게 그림을 그리는 작업은 곧 고통의 시간이었다. 작품을 완성해야만 한다는 의무감이 그를 짓눌렀다. 하지만 이번 전시를 준
쿠사마 야요이의 대표작 ‘호박’ 원화가 새 주인을 찾는다. 오는 18일 서울 강남구 신사동 케이옥션 사옥에서 열리는 12월 경매에서다. 이번 경매에서는 쿠사마의 원화를 포함해 총 101점, 약 63억원어치의 작품이 출품된다. 쿠사마 야요이 ‘호박’ 그림 등…케이옥션 경매서 새 주인 찾는다 이번 경매에 나온 ‘호박’ 원화는 쿠사마 야요이가 1990년에 제작한 작품으로, 1호 (15.8×22.7㎝) 크기다. '호박' 시리즈는 그의 유년 시절 환각 속에서 본 패턴을 구현한 작업으로, 오랜 기간 세계 미술시장에서 주목받고 있는 작품이다. 지난 9월 한국국제아트페어(KIAF)-프리즈 기간에는 100호 크기의 대형 ‘호박’ 작품이 1000만달러(약 143억7000만원)에 팔리기도 했다.마우리치오 카텔란의 작품도 이번 경매에 나왔다. 카텔란은 바나나를 벽에 붙여놓는 작품 '코미디언'을 통해 세계 미술사에 이름을 알린 이탈리아 작가다. 이 작품은 지난달 미국 뉴욕 소더비 경매에서 87억원에 낙찰되며 이목을 끌었다. 이번 케이옥션 경매에서는 그의 1990년 작 'Strategies'가 출품된다. 추정가는 7500만원에서 1억2000만원이다. 잡지 '플래시 아트'를 카드처럼 쌓아 만든 집 형태의 설치작이다. 한국 미술사를 대표하는 다양한 작품들도 출품된다. 김창열의 2017년작 '물방울 SDR201704'는 1억8000만원에서 2억4000만원에 출품될 예정이다. 천경자의 1987년작 '꽃과 여인'은 추정가 1억8000만원~6억원에, 1980년작 '하이비스커스는 5500만원~1억5000만원에 나온다. 박서보가 2007년에 제작한 '묘법 No. 070422'는 4억7000만원에서 7억5000만원에 새 주인을 찾는다.이밖에도 올라
분홍 꽃무늬 벽지가 벽을 한가득 메운 넓은 지하공간 한구석엔 옷들이 걸린 커다란 행거가 놓였다. 마치 공장 컨베이어벨트처럼 끊임없이 회전하는 옷걸이에는 드레스, 원피스, 한복 등 모양도, 색도 모두 다른 옷들이 걸렸다. 바로 옆 탁자엔 자수가 박힌 천과 재봉틀 두 대가 놓였다. 옷과 천 재봉틀과 실이 가득하지만 이곳은 의상실이 아닌 '미술 전시장'이다.서울 종로구 금호미술관에 특별한 전시장을 차려놓은 작가는 홍지윤. 그는 금호미술관의 지하부터 3층까지 모든 공간을 털어 자신만이 창조할 수 있는 '신개념 전시장'을 꾸몄다. 전시 제목도 '홍지윤 스타일'. 그가 작가로 살아 온 지난 30년 간 선보였던 모든 작품들을 한데 모아 '홍지윤 스타일'로 관객에게 선보인다. 가장 윗층인 3층엔 1990년대 작품들이, 가장 아래층엔 최신작들이 놓였다. 관객으로 하여금 미술관의 가장 위층부터 내려오며 자신의 작품 변천사를 한눈에 관람할 수 있게끔 구상했다.모든 전시장엔 그의 경험과 추억이 담겼다. 지하에 선보인 의상실 전시장은 그의 유년시절을 그대로 옮겨놓은 것이다. 1970년대 의상 디자이너였던 어머니의 가게에서 자란 홍지윤은 어머니가 그려놓은 옷 디자인 샘플들을 보며 자연스레 작가의 길을 꿈꿨다. 실제 이번 전시장에 나온 옷들 대부분은 어머니가 홍지윤에게 만들어 준 것들이다. 작가가 된 후 그린 그림들과 자수 작품들을 같이 배치하며 '작가 홍지윤'을 만든 어린 시절의 기억을 관객에게 보여준다.그의 트레이드마크로 여겨지는 작업은 '꽃'이다. 2000년대 초반 독일에서 유학을 마친 후 한국에 돌아와 현란한 색을 사용해 꽃을 그려넣은 작품을 선
19세기에 그려진 것으로 추정되는 불화 '칠성여래도'(130×80㎝)가 도난당한 것으로 확인됐다. 3일 국가유산청은 도난 사실을 누리집 '도난 국가유산 정보'를 통해 공고했다. 또 전국 경찰청과 지방자치단체, 유관단체 등과 함께 추적에 나섰다고 밝혔다.사라진 칠성여래도는 개인이 소장하고 있던 비지정문화유산이다. 비지정문화유산은 문화유산법·무형유산법·자연유산법 또는 시·도의 조례에 의하여 국가유산으로는 지정되지 않았지만, 충분히 보존할 만한 가치가 있는 유산을 의미한다. 칠성여래도는 인간의 수명과 길흉화복을 관장하는 북두칠성신앙을 불교에서 받아들여 제작된 불화다. 북두칠성을 모신 전각인 칠성각에 봉안된다.도난된 작품은 치성광여래와 칠성각부를 그린 불화 가운데 한 점으로 제작 시기는 19세기 후반으로 추정된다. 제작자 및 봉안되었던 사찰 등에 대한 정확한 정보는 화기(畵記)에 기록되어 있지 않기 때문에 확인되지 않았다. 도난된 칠성여래도는 지난 2월 한국인 구매자가 미국의 한 온라인 골동품 판매 플랫폼을 통해 구입한 것으로 알려졌다. 국내에는 4월에 반입했으나 운송 과정에서 배송받지 못해 관할 지자체에 도난 신고해 국가유산청이 지난달 접수했다.도난 신고 내용이 국가유산청 누리집 내 '도난 국가유산 정보'에 공고되면 '문화유산의 보존 및 활용에 관한 법률' 제87조 제5항에 따라 '민법' 제249조(선의취득) 규정이 적용되지 않기 때문에 소유자 보호에 유리하다.국가유산청은 도난·도굴된 국가유산의 회수를 강화하기 위해 제보를 받고 있으며, 도난 정보를 제공한 자나 체포에 공로가
마치 거울을 보듯, 똑 닮은 서로의 얼굴을 마주보고 선 2명의 남자. 같은 날 세상에 태어난 쌍둥이 형제다. 같이 태어나 함께 크고, 합심해 그림을 그린 50년의 세월 동안 단 한 번도 다투거나 언쟁을 벌인 적이 없다는 이들. 이상하리만큼 같은 날 같은 꿈을 꾸고, 말하지 않아도 뇌를 공유한 듯 똑같은 생각을 한다는 특별한 쌍둥이. 브라질 상파울루에서 온 '꿈을 실현하는 형제' 오스제미오스를 만났다.포르투갈어로 ‘쌍둥이'라는 뜻을 가진 그룹명 ‘오스제미오스’에서 알 수 있듯, 일란성 쌍둥이 형제 구스타보 판돌포와 오타비오 판돌포는 1974년 같은 날 세상에 태어났다. '동시대 가장 영향력 있는 스트리트 아티스트'라는 평가를 받는 이들이 한국을 찾아왔다. 서울 한남동 리만머핀에서 개인전 '꿈의 포털'을 열면서다. 2020년에 이어 2번째 국내 전시지만, 형제가 한국을 직접 찾는 건 이번이 처음이다. 첫 전시가 코로나19 팬데믹 시기에 이뤄졌기 때문이다.이들은 1980년대 중반부터 브라질 상파울루 길거리에 그래피티 작품을 그려넣으며 주목을 받았다. "당시 우리는 브라질 힙합에 미쳐 있었어요. 음악에서 영감을 많이 받았죠. 누가 먼저랄 것 없이 함께 도시 구석구석을 돌아다니며 그래피티를 그렸어요."상파울루에서 그래피티 그리다 주목그래피티는 그들에게 단순한 장난이나 일탈이 아니었다. '자아 표출의 수단'이었다. 이들은 이후 조각, 회화, 설치작품 등으로도 활동 영역을 넓히면서도 그래피티를 가장 소중히 여겼다. 형제는 "우리의 뿌리는 영원히 그래피티에 있다"며 "그래피티는 성장기 내내 우리
국내 226개 자치도 중 수도인 서울에서 가장 멀리 떨어진 곳, 신안군. 1004개의 섬으로 구성돼 '천사의 섬'으로 불렸던 곳이지만 줄어드는 인구와 낮은 경제자립도, 열악한 접근성으로 소멸 위기를 맞고 있다. 현실의 벽 앞에 놓인 신안이 택한 건 '문화'. '1섬 1뮤지엄'이라는 슬로건을 내걸고 유명 작가들을 신안으로 모셔오고 있다. 안토니 곰리, 제임스 터넬, 박은선의 작품들을 각 섬마다 설치하고 나섰다. '김환기의 고향' 안좌도에는 야나기 유키노리의 플로팅 뮤지엄을 세우기도 했다.대한민국 최남단, 신안 도초도에도 거장이 깃발을 꽂았다. 바로 덴마크 작가 올라퍼 엘리아슨이 그 주인공이다. '자연의 작가'로 잘 알려진 그는 미술관 안에 해와 무지개를 띄우고, 빙하가 떠다디는 바다에 눈을 내리는 등 '자연 현상'을 실내로 들여놓으며 세상의 주목을 받는 작가다.자연을 통역하는 작가, 올라퍼 엘리아슨올라퍼 엘리아슨이 자연에 주목하게 된 이유를 살펴보기 위해서는 그의 어린 시절로 함께 돌아가야 한다. 그는 1967년 덴마크 코펜하겐에서 태어났지만 아이슬란드인인 부모님을 따라 어린 시절 대부분의 시간을 아이슬란드에서 보냈다. 오로라와 백야 등 북유럽이 선사하는 경이로운 자연현상을 피부로 느끼며 자라났다. 유년기를 보내며 겪었던 아름다운 자연은 그의 인생에 큰 영감으로 자리잡았다. 엘리아슨은 예술가로 활동했던 아버지에게 큰 영향을 받았다. 어릴 적부터 다양한 예술이 그의 삶에 존재했다. 10대에 접어든 사춘기 엘리아슨이 빠지게 된 건 '브레이크 댄스'. 춤을 추며 신체의 감각, 무대가 선사하는 공간감을 인식하게 되면서다.
1955년, 서울 성북동 간송미술관 뒷마당에는 큰 ‘가마’가 자리잡고 있었다. 실제 도자기를 구워내는 데 쓰였다. ‘성북동 가마’로도 불렸는데, 국립박물관 부설 연구소로 문을 연 한국조형문화연구소가 세운 것이다. 1962년까지 불이 꺼지지 않던 성북동 가마에서는 수많은 조선백자가 탄생했다. 흰 백자 위에 푸른 글씨로 ‘북단산장(北壇山莊)’이라는 글자를 새겨 넣은 작품도 남았다.흔히 백자, 청자 혹은 작은 집기류로만 여겨지던 도자기는 많은 역사적 이야기를 품고 있다. 한국 도자 공예의 시작점으로 여겨지는 1950년대부터 전후 복구시대, 현대까지 ‘한국 도자’를 아우르는 전시가 열렸다. 국립현대미술관 과천관에서 개막한 ‘한국 현대 도자공예: 영원의 지금에서 늘 새로운’이다.한국 도자공예가 본격적으로 현대성을 갖추게 된 1960~1970년대 시기 작품들이 전시장을 메운다. 이 시기엔 도자와 회화가 결합된 ‘도화’가 유행했는데, 이번 전시에서는 그중에서도 가장 탁월한 작품 12점이 선보였다. 모두 이건희컬렉션 작품으로, 그가 소장한 20점의 도화 작품 중 12점이 이번 전시에서 공개된다. 모두 대중에게 처음으로 선보이는 작품들. 12점의 도화 작품은 모두 도예가 안동오의 작업이다.이건희컬렉션 중 하나인 지순탁의 검은 다완도 공개됐다. 이 작업은 지순탁이 다도 문화가 활발했던 일본에 수출하기 위해 만든 도자기다. 말차를 마신 뒤 가루가 까만 도자에 붙게 되는데, 녹색과 검은 색감의 조화를 고려해 제작한 작품이다. 호남지역에서 계승돼 온 옹기 제작 기법과 도예를 결합한 도예가 오향종의 작품 전시장은 황토 빛깔로 가득하다.2부 ‘예
"집은 삶의 보물창고다"프랑스에서 활동한 '건축 거장' 르 코르뷔지에는 집을 두고 이렇게 말했다. 집이 단지 휴식이나 숙식을 위한 공간이 아니라 여가와 취미 그 자체라는 것이다. 특히 코로나19 팬데믹을 겪으며 주거와 업무, 휴식 공간의 구분이 불분명해지면서 '집'의 의미는 더욱 중요해졌다. 인간은 집에서 보내는 시간이 많아질수록 자신의 취향을 반영하는 물건들을 그 속에 채워넣기 시작했다. 이 때 예술 작품은 가장 주요한 역할을 했다. 과거 수장고에 '모셔두던' 그림, 조각, 설치작들을 집 곳곳에 꺼내놓았다. 그럼, 미술관에서만 보던 김환기, 박서보, 파블로 피카소의 작품이 우리 집 벽에 걸린다면 어떨까. 거장들의 작품과 함께 식사를 하고, 잠을 자는 일상은 어떨까. 이러한 상상을 실현시켜줄 전시가 성수동에 열렸다. 대림미술관 디뮤지엄이 개관 10주년을 맞아 연 '취향가옥: Art in Life, Life in Art'이 그것이다.이번 전시에서는 5가지의 취향이 그대로 드러나는 5개의 '취향 가옥'이 펼쳐진다. 3층으로 나눠진 전시는 영상 감독, 플랜티스트, 갤러리스트, 셰프, 티 소믈리에가 자신의 취향에 맞게 꾸며놓은 방을 감상할 수 있다. 각자 다른 직업과 라이프스타일을 가진 사람들의 방을 직접 들어가보며 그들의 삶을 상상할 수 있다. 화장실, 부엌, 창고까지 모두 '진짜 집'처럼 그대로 붙어 있다. 마치 부동산 임장을 온 듯한 착각이 들 정도로 전시장을 정교하게 꾸며놓았다. 이번 전시 속 집들에는 김환기, 박서보, 파블로 피카소, 백남준 등 거장들의 작품이 놓였다. 이뿐만 아니라 장 푸르베, 핀 율 등 유명 디자이너가 만든 가구들까지
예로부터 '거미'는 수호자이자 파괴자로 통했다. 화려한 외형으로 상대를 유혹하는 존재가 되기도 하고, 끝없이 거미줄을 치며 새끼와 가족을 지키는 모성의 형태로 그려지기도 했다.두 얼굴을 가진 생명체, 거미를 공예로 풀어낸 작가들을 한 공간에서 만나볼 수 있는 전시가 열렸다. 서울 숙명여대 문신미술관에서 열리고 있는 제7회 현대공예전 ‘아라크네 아이’다. 이번 전시에는 20대부터 70대까지, 나이를 불문하고 공예 작업에 몰두하는 작가 25인의 작품이 공개된다. 전시 제목에서 나오는 아라크네는 바느질로 신의 경지에 이른 그리스 신화 속 인물이다. 자신의 뛰어난 기술에 오만했던 그는 공예의 수호신에게 도전장을 내밀었다 저주를 받고 거미로 환생해 영원히 거미줄을 짜야만 하는 운명에 놓인다. 이번 전시를 기획한 푸른문화재단은 이 신화를 접한 뒤 큰 영감을 받았다고 한다. 거미를 주제로 전시를 기획하고 전시 제목도 아라크네의 이름을 따 와 지었다. 대중에겐 오만과 거만의 상징으로 알려진 아라크네지만, 그 뒤에 가려진 장인으로서의 모습에 주목했다.거미가 주제가 된 만큼 이번 전시에 나온 공예 작품은 모두 거미줄에서 모티브를 얻어 만들어졌다. 실과 섬유에서부터 철사, 말총까지 다양한 재료를 마치 거미가 거미줄을 엮듯 엮고 묶어낸 작업들이다. 25명의 작가들이 모인 만큼, 재료도 작업 방식도 모두 다르다.숙명여대 르네상스관에 들어서자마자 눈을 사로잡는 건 난간과 벽을 빼곡히 메운 붉은 설치작품이다. 셀 수 없이 많은 빨간 실타래가 천장에서 아래로 떨어진다. 빨간색 실처럼 보이는 재료는 다름아닌 양파망이다. 작가는 양파망 속에 아이들 놀이
226개 기초자치단체 가운데 서울에서 가장 멀리 떨어진 전남 신안군. 1004개의 섬으로 이뤄져 ‘천사의 섬’으로 불리는 신안은 섬마다 1개의 뮤지엄을 짓겠다는 계획을 세웠다. 무모하리만큼 야심 찬 계획에 올라퍼 엘리아슨(사진)이 뛰어들어 첫 결실을 맺었다. ‘자연의 작가’로 불리는 덴마크 사람은 신안 도초도에 조그마한 지구를 하나 보일 듯 말 듯 숨겨뒀다. ○자연을 통역하는 작가올라퍼 엘리아슨은 1967년 덴마크 코펜하겐에서 태어나 아이슬란드에서 어린 시절을 보냈다. 아이슬란드인 부모님과 함께 오로라와 백야 등 북유럽이 선사하는 경이로운 자연현상을 접하며 자랐다. 그는 1980년대 후반 덴마크 왕립미술아카데미에 입학했고, 1995년 자신의 이름을 내건 ‘올라퍼 엘리아슨 스튜디오’를 열었다.그는 항상 자연을 주제로 삼았고 자연을 재현하고 싶다는 열망으로 가득했다. 2003년 10월 영국 런던 테이트모던 터바인홀에서 ‘날씨 프로젝트(The Weather Project)’를 선보인 것도 우연이 아니다. 그는 테이트모던 건물 안에 인공 태양을 띄웠고, 둥근 조형물 안에 200여 개의 전구를 설치했다. 그러고는 수증기와 안개 속 태양빛이 관객을 휘감도록 했다. 안개 낀 아침에 거대한 태양이 떠오르는 것을 마주하는 듯한 느낌을 선사하기 위해서다. 6개월간 이 전시에는 200만 명이 넘는 관객이 찾아왔다. ○신안에 꽃피운 ‘숨결의 지구’엘리아슨이 신안 도초도에 들여놓은 작품은 ‘숨결의 지구’. 직경 8m의 반원 모양 구가 땅속에 4분의 3 정도 묻혀 있다. 밖에서 보면 대지 위에 연꽃이 피어난 듯한 형상이다. 관객은 땅굴을 통해 직접 구 안으로 들어갈 수 있
서울 강남구 신사동, 세계를 대표하는 럭셔리 브랜드 쇼룸이 모인 도산대로엔 터줏대감처럼 에르메스 매장이 골목 초입을 지키고 있다. 올 겨울, '럭셔리의 상징'과도 같은 에르메스의 서울 매장 한가운데엔 '헬로키티 동상'이 떡하니 놓였다.원래대로였다면 작고 귀여워야 할 헬로키티지만, 이 키티는 성인 남성이 눈을 들어 올려다보아야 할 만큼 거대하다. 하지만 이 '키티 동상'이 건물을 드나드는 모든 이들의 눈길을 사로잡은 이유는 따로 있다. 동상에 금빛 후광이 비치기 때문이다.에르메스 매장 가운데 후광 키티를 세운 작가는 아티스트 듀오로 활동하는 김나영과 그레고리 마스. 이들이 아뜰리에 에르메스에서 전시 '파라노이아 파라다이스'를 펼치고 관객을 맞이하고 있다. 한국인 김나영과 독일인인 그레고리 마스는 오랜 작업 동료이자, 같이 삶을 꾸려가는 부부다. 김나영이 프랑스 파리 국립미술학교 유학 시절 같은 반이었던 마스를 만나 인연을 맺은 뒤 2004년 결혼했다. 올해 벌써 20년째 함께 작업을 하고 있는 셈이다.부부는 아티스트 동료로, 또 인생의 동반자로 함께 세계를 돌며 전시를 열고 작품을 만들었다. 일본, 필리핀, 독일에서부터 아프리카까지 '노마드'처럼 떠돌며 살아왔다. 세계 여행을 펼치던 이들은 2019년 한국 땅에 정착했다. 양평에 작은 작업실을 마련한 뒤 그곳에서 텃밭을 가꾸고, 작품을 만들고 있다.부부는 항상 실용성과 효율성에 관심이 많았다. 버려진 물건들을 예술작품으로 재탄생시킨 작업을 펼치는 이유다. 이번 전시에서도 주변에서 쉽게 볼 수 있는 잡동사니들을 구해다 작품을 만들었다. '키티 동상'도 이렇게 탄생했다.동
사진가 임응식(사진)은 일제강점기인 1912년 태어났다. 1930년대 중반 만주에서 카메라를 잡고 2001년 세상을 뜨기 전까지 오직 사진에만 매달렸다. 6·25전쟁 당시엔 종군 사진기자로 활동했다. ‘생활주의 리얼리즘’이라고 부르는 사진들로 조국이 처한 참혹한 현실을 꾸밈없이 담아냈다. 2001년 작고 후 손자가 유품을 정리하며 발견한 작품이 무려 8만 장이 넘었을 정도로 그의 70년 사진첩은 방대하다.그는 일본에서 폭격으로 카메라를 잃었을 때도 작품을 남기고자 하는 열망이 컸다. 물감과 캔버스 대신 현상액과 인화지를 사용해 추상화를 그렸다. 독창적인 추상화 작품들에는 자신의 성 ‘임’에서 딴 ‘림스그램’이라는 제목을 붙였다. 모두 조국 해방을 겪은 뒤 강렬한 감정을 담아낸 작업이다.1953년 6·25전쟁이 끝나자 그는 부산에서 사진 전시를 시작했다. 전쟁통에 고군분투하는 민족의 모습을 주로 선보였다. 부서진 건물, 황량한 거리, 그 속에서 살아가는 사람들과 피란민의 모습을 가감 없이 드러내 세계 언론에 주목받았다.서울 원서동 예화랑의 새 공간에서 임응식의 사진 아카이브 전시 ‘아르스 포토그라피카’가 열리고 있다. 임응식의 렌즈를 통해 일제강점기, 해방과 6·25전쟁, 그리고 전후(戰後) 회복기를 모두 경험해 볼 수 있다.최지희 기자
![[이 아침의 사진가] 조국이 겪는 아픔을 꾸밈없이 담아낸 기록가, 임응식](https://img.hankyung.com/photo/202411/AA.38725297.3.jpg)
1955년, 서울 성북구 간송미술관 뒷마당에는 큰 '가마'가 자리잡고 있었다. 이 가마는 감상용 설치 작품이나 조각품이 아니다. 실제 도자기를 구워내는 데 쓰였다. '성북동 가마'로 이름이 붙은 이 가마는 국립박물관 부설 연구소로 문을 연 한국조형문화연구소가 세운 것이다. 1962년까지 불이 꺼지지 않던 성북동 가마에서는 수많은 조선백자들이 탄생했다. 흰 백자 위에 푸른 글씨로 '북단산장(北壇山莊)'이라는 글자를 새겨넣은 작품도 남았다. 흔히 백자, 청자 혹은 작은 집기류로만 여겨지던 도자기에는 이처럼 많은 역사적 이야기가 담겨 있다. 한국 도자 공예의 맥을 잇기 위해 서울 성북동과 대방동 한복판에 가마를 세운 사실을 남겨진 도자 작품들을 통해 살펴볼 수 있다. 1950년대에 만들어진 도자기 커피잔 세트를 통해 생활 식기가 현대화된 시점도 추정할 수 있다. 한국 도자 공예의 시작점으로 여겨지는 1950년대부터 전후 복구시대, 현대까지 '한국 도자'를 아우르는 전시가 열렸다. 국립현대미술관 과천관에서 개막한 '한국 현대 도자공예: 영원의 지금에서 늘 새로운'이다. 사회와 문화가 발전하고 변화함에 따라 함께 변한 도자 공예의 모습을 만나볼 수 있다. 전시는 4가지 섹션으로 나뉜다. 시대의 흐름에 따라 달라진 도자기의 특징들을 보여주기 위해서다. 성북동과 대방동 가마를 중심으로 도자를 만들었던 1950년대 전시장을 지나면 1960~1970년대 작업들이 전시된다. 한국 도자공예가 본격적으로 현대성을 갖추게 된 시기다. 특히 이 시기엔 도자와 회화가 결합된 '도화'가 유행했는데, 이번 전시에서는 그 중에서도 가장 탁월한
죽은 이의 소장품을 보관하는 유물함은 삶과 죽음의 경계를 보여주는 물건이다. 작은 작품을 통해서 관객은 삶과 죽음이 세상 안에 공존하고 있다는 사실을 깨닫는다. 은 작업을 선보이는 공예가 김영옥이 인간과 자연, 삶과 죽음에 대해 질문을 던지는 전시를 열고 있다. 서울 삼청동 호호재서울에서 열고 있는 개인전 ‘오늘과 내일’이다.김영옥은 단조기법을 사용해 유물함(사진)과 함께 다양한 주전자를 제작해 전시에 내놨다. 주전자는 모양이 대칭을 이루고, 어느 부분도 흐트러짐이 없도록 심혈을 기울였다. 다도를 좋아하는 그에게 주전자는 중요한 기물이다. 김영옥은 다도를 통해 자연과 인간, 삶의 조화를 추구한다. 그는 인간이 찻잎을 다루고 물을 끓이고 차를 우려내는 과정을 통해 비인간적 존재, 자연과 연결된다고 믿는다.전시 공간인 호호재서울의 1층은 ‘죽음의 미학’이라는 주제로 꾸며졌다. 인간의 근본적 소멸을 작품으로 풀어낸다. 세상에 태어났다가 사라지는 자연스러운 인간의 이치를 공예로 형상화했다. 위로 올라가면 ‘생명의 미학’이 펼쳐진다. 생태적 존재인 인간과 자연이 서로 유기적으로 연결돼 상호 보완관계에서 살아가야 한다는 김영옥의 철학이 드러난다.그는 전시를 통해 인간이 식기와 음식을 소비하는 것이 생태적 책임의 일환이라는 메시지를 전한다. 전시는 12월 6일까지 이어진다.최지희 기자
"와이파이가 내장된 소가 초원에 등장했습니다…" 전시장 문을 열자마자 보이는 TV 화면엔 속보 뉴스가 송출된다. 영상 속 쉴새없이 떠드는 앵커가 내뱉는 말은 인간의 상식을 벗어난다. '소에 와이파이가 달렸다'는 소식이다. 하지만 뉴스 화면을 보는 사람들은 순간 '이 뉴스가 진짜인가?'를 고민하게 된다. 이렇듯 터무니없을 정도의 상식 밖 이야기에도 사람들은 쉽게 흔들리고, 속아넘어간다. 이 뉴스 영상은 당연히 가짜다. 앵커도, 뉴스 속 소들도, 기자도 전부 인공지능(AI)가 만들었다.서울 종로구 삼청동 페레스프로젝트에서 '가짜 뉴스' 실험을 펼친 작가는 홍콩에서 온 1989년생 'MZ 작가' Mak2다. 자신의 한국 첫 개인전 제목도 '와이파이가 내장된 소'로 지었다. 인간들이 얼마나 뉴스와 거짓에 우스울만큼 취약한가에 대해 이야기한다.이처럼 Mak2는 게임, 애니메이션, 뉴스, 다큐멘터리 등 다양한 외부 요소들을 가져와 꼬집고 비트는 작품을 만드는 작가다. 그가 창조한 회화의 가장 큰 특징은 모두 3분할로 나뉘어져 있다는 것. 분할된 3개의 화면은 매끄럽게 이어지지 않는다. 당연히 모두 다른 사람이 그린 것이기 때문이다.그는 작가이지만 회화를 그리지 않는다. 아이디어와 화면 이미지만 만든 뒤 인터넷에서 활동하는 작가들을 찾아 그림을 맡긴다. 3분할 그림을 3명의 작가가 그리는 셈이다. 당연하게도 Mak2는 작가들과 실제 만난 적도, 함께 일한 적도 없다. '무작위의 확률'에 작품의 완성도를 맡기는 셈이다.그는 작품의 배경이 될 공간을 시뮬레이션 게임 '심즈'를 통해 만든다. 집, 정원, 마을 등을 게임 세상에서 직접 구현한다. 실제 존재
죽은 이의 소장품을 보관하는 '유물함'은 인간의 삶과 죽음의 경계를 보여주는 물건이다. 작은 작품을 통해서 관객은 삶과 죽음이 세상 안에서 공존하고 있다는 사실을 깨닫게 된다. 은 작업을 선보이는 공예가 김영옥이 인간과 자연, 삶과 죽음에 대해 질문을 던지는 전시를 열고 있다. 서울 종로구 삼청동 호호재서울에서 열고 있는 개인전 '오늘과 내일'이다.'손으로 만든 솜씨'라고 불리는 공예에서도 김영옥은 유독 은이라는 재료에 집중했다. 전통적 기법을 사용해 사람들이 일상에서 실제로 쓸 수 있는 작업물을 만들어낸다. 주전자, 접시, 찻잔 등 그가 만드는 작품 대부분이 음식과 음료를 담는 기물들이다. 은은 불순물이 없고 향균 효과가 있기 때문에 식기로 유용하게 쓰이는 재료이기 때문이다.김영옥은 단조기법을 사용해 '완벽한 형태의 주전자'를 제작해 전시에 내놨다. 모양이 대칭을 이루고, 어느 부분도 흐트러짐없도록 심혈을 기울였다. 여기에 자연의 일부분을 장식적 요소로 삼았다. 쓰는 사용자와 보는 관객들로 하여금 주전자를 통해 여유와 친근함을 느끼게 하기 위해서다. '다도'를 애정하는 작가인 그에게 주전자는 더욱 중요한 기물이다. 김영옥은 다도를 통해 자연과 인간, 삶의 조화를 추구한다. 특히 그는 인간이 찻잎을 다루고 물을 끓이고 차를 우려내는 과정을 통해 비인간적 존재, 자연과 연결된다고 믿는다.전시가 이뤄지는 호호재서울의 1층은 ‘죽음의 미학’이라는 주제로 꾸며졌다. 인간의 근본적 소멸을 작품으로 풀어낸다. 세상에 태어났다 사라지는 자연스러운 인간의 이치를 공예로 형상화했다. 위로 올라가면 '생명의 미학'
2024 미국프로야구(MLB) 월드시리즈 우승을 차지한 LA 다저스의 주축, 메이저리그 최초로 단일 시즌 50-50(50홈런-50도루)이라는 대기록을 세우며 흥행의 주역이 된 사나이, 모든 스포츠 종목을 통틀어 현재 가장 많은 연봉을 받는 현역 선수….‘야구는 몰라도 그 선수의 이름은 안다’는 오타니 쇼헤이. 그를 조명하는 전시가 한국에서 열리고 있다. 이랜드뮤지엄이 서울 홍대에서 여는 전시 ‘쇼-타임’이다. 전시에서는 슈퍼스타 오타니가 우상으로 생각한 선수들, 야구를 시작할 당시의 일화 등 오타니에 대한 흥미로운 이야기가 소개된다. 그가 경기장에서 신은 신발과 착용한 용품도 만나볼 수 있다.전시장에 들어서면 오타니가 지난 9월 세운 50-50 기록에 관한 이야기가 가장 먼저 전개된다. 인간의 한계를 깼다는 점에서 기록이 가지는 의미가 크기 때문이다. 미국 언론들이 “1969년 닐 암스트롱의 달 착륙만큼 경이로운 사건”이라고 했을 정도다.전시장에는 기록 달성 당시 오타니가 신은 신발과 동일한 모델이 공개된다. 운동화 모델명도 그의 이름에서 따와 ‘뉴발란스 오타니1’으로 지었다. 그가 이전 팀인 LA 에인절스 시절부터 신은 모델이다. LA 다저스로 팀을 옮긴 이후에도 신발 로고만 푸른색으로 바꿔 신을 만큼 그의 ‘애착 신발’로 유명하다.2021년 오타니가 착용하던 벨트, 2022년 그가 밟았던 베이스도 관객을 만난다. 전시에 나온 소장품이 일반 대중에게 공개되는 건 이번 전시가 처음이다.50-50 기록을 처음으로 달성한 오타니 외에 메이저리그에서 40-40, 30-30 기록을 각각 최초로 달성한 선수들의 소장품도 전시됐다. 전시회는 오타니가 우상처럼 여기는 ‘
지난 8월 미국 워싱턴DC 허시혼미술관은 50주년 기념전으로 오스제미오스를 집중 조명했다. 그라피티 등 900점이 넘는 작품을 미술관 전체에 펼쳐놓고 30여 년간의 작업 일대기를 훑었다. 비주류 문화로 여겨진 길거리 예술이 미국을 대표하는 대형 미술관을 점령한 순간이었다.동시대 가장 영향력 있는 아티스트라는 오스제미오스가 서울 한남동 리만머핀에서 전시회 ‘꿈의 포털’을 열었다. 오스제미오스는 쌍둥이 형제로 이뤄진 작가 듀오의 이름이다. 오스제미오스라는 말 자체가 포르투갈어로 쌍둥이라는 뜻이다. 구스타보 판돌포와 오타비오 판돌포는 일란성 쌍둥이로 1974년 브라질에서 태어났다. 이들 형제는 같은 날 같은 꿈을 자주 꾸고, 같은 때 같은 생각을 하는 경우도 많다고 한다. 이들은 10대 시절부터 함께 상파울루 길거리에서 그라피티 작품을 그려 넣었다. 한국을 찾은 건 이번이 처음이다. 상파울루 그라피티로 주목이들에게 그라피티는 자아 표출의 수단이자 예술 세계의 근간이다. 판돌포 형제는 “우리의 뿌리는 영원히 그라피티에 있다”며 “그라피티는 성장기 내내 우리를 둘러싼 문화였고 상파울루 도시 전체가 우리의 스튜디오였다”고 했다. 이들은 “그라피티는 1960년대 미국 뉴욕에서 시작된 이후 지금까지 이어질 만큼 오래된 문화”라며 “일부에서 시작한 일탈이 전 세계를 뒤덮어버릴 정도가 됐으니 하위문화가 아니라 역사적으로 가장 중요한 예술이라고 생각해야 한다”고 주장했다.그라피티에 뿌리를 둔 작가인 만큼 오스제미오스는 모든 회화를 스프레이 페인팅으로만 그린다. “캔버스 위에 무언가를 그릴 땐 오직 스프레이만
2024 미국프로야구(MLB) 월드시리즈 우승을 차지한 LA다저스의 주축 선수, 메이저리그 최초 단일 시즌 50-50(50홈런-50도루)이라는 대기록을 작성하며 흥행의 주역이 된 사나이, 모든 스포츠 종목을 통틀어 현재 가장 많은 연봉을 받는 현역 선수 …. 이 대단한 수식어들은 모두 한 사람을 가리킨다. ‘야구는 몰라도 그의 이름은 안다’는 선수. 오타니 쇼헤이(/:)다. 야구 팬은 물론 같은 야구 선수들에게도 사랑받는 쇼헤이를 조명하는 전시가 한국에 열렸다. 이랜드뮤지엄이 서울 홍대에 연 전시 ‘쇼-타임‘이다. 쇼헤이가 오랜 기간 앰버서더로 활동 중인 스포츠 브랜드 뉴발란스와 함께 전시를 꾸몄다. 이번 전시에서는 슈퍼스타 오타니 쇼헤이가 우상으로 삼았던 선수들, 야구를 시작할 당시의 일화 등 오타니 쇼헤이에 대한 흥미로운 이야기가 소개된다. 그가 경기에 신고 나서는 신발, 실제 착용했던 용품도 만나볼 수 있다. 전시장에 들어서면 오타니가 지난 9월에 세운 '50-50' 기록에 관한 이야기가 가장 먼저 전개된다. ‘인간의 한계’를 깼다는 점에서 기록이 가지는 의미가 크기 때문이다. 미국 현지 언론들이 “1969년 닐 암스트롱의 달 착륙만큼 경이로운 사건”으로 칭했을 정도다. 전시장에는 기록 달성 당시 쇼헤이가 신고 있었던 신발과 동일한 모델이 공개된다. 운동화 모델명도 그의 이름에서 따 와 '뉴발란스 오타니 1'으로 지었다. 그가 이전 팀인 LA 에인절스 시절부터 신었던 모델이다. LA 다저스로 팀을 옮긴 이후에도 신발 로고 색만 푸른색으로 바꿔 신고 있을 만큼 그의 ‘애착 신발’로 유명하다. 50-50 기록을 처음으로 달성
가보지 않은 세상, 겪어보지 못한 시대를 경험하게 만드는 통로. 시대를 불문하고 사진이라는 매체가 해 온 역할이다. 지금 서울 종로구 예화랑의 새 공간에서는 1930년대부터 1950년대까지, 격동의 시대를 겪은 한국 사회가 펼쳐진다. ‘20세기를 대변하는 사진가’로 알려진 임응식의 사진 아카이브 전시 '아르스 포토그라피'가 열리면서다.사진가 임응식은 일제강점기였던 1921년 태어났다. 1930년대 중반 만주에서 카메라를 잡고 2001년 세상을 뜨기 전까지 오직 사진에만 매달렸다. 만주부터 강릉까지, 그는 10여 년 동안 다양한 장소에서 사람과 풍경을 카메라에 담아냈다. 하지만 1945년, 태평양 전쟁을 겪으며 카메라와 함께 대부분의 자료들이 불에 타 없어졌다. 그가 가장 활발히 움직였던 1930년대 작품이 많이 남아있지 않은 이유다.분신과도 같던 작품들을 잃은 후 그는 사진에 더욱 매진했다. 서울, 부산, 인천 등 전국 팔도를 쏘다니며 카메라를 들이댔다. 한국전쟁 당시엔 종군 사진기자로 활동했다. '생활주의 리얼리즘'이라 부르는 사진들로 조국이 처한 참혹한 현실을 꾸밈없이 담아냈다. 단순 현장을 생생하게 기록하는 것에서 그치지 않고, 그 시대를 살아냐는 사람들의 이야기를 깊이 있게 담아내며 당시 사진들은 역사적 자료가 됐다.임응식은 스스로가 꼭 남겨놓아야겠다고 생각한 존재들엔 모두 렌즈를 들이댔다. 박서보와 같은 유명 작가들, 고건축, 평범한 길거리 모습까지 대상도 가리지 않았다. 그를 '다큐멘터리 사진가'로 부르는 이유도 이 때문이다.2001년 작고 후 손자가 유품을 정리하며 발견한 작품이 무려 8만 장이 넘었을 정도로 그의 70년 사진첩은 방대하다. 이
옷에 주름이 가득 잡혀 있다. 햇빛을 받고 걸어가면 바닥에 옷의 그림자가 비친다. 주름 모양대로 시시각각 그림자가 달라진다. 주름진 옷감과 햇빛이 만들어내는 ‘인간 조명’이다. 스카프에도, 블라우스와 원피스에도, 스커트에도 각기 다른 주름들. 이 모든 의상은 ‘빛을 주름잡는 작가’ 권중모(42)가 삼성물산 브랜드 르베이지와 협업해 만든 컬렉션이다.지난해 르베이지가 권중모와 함께 ‘주름 컬렉션’을 처음 선보이자마자 패션계는 뜨겁게 반응했다. 세 번째 시즌을 거치며 공개되는 족족 의상과 소품이 ‘완판’됐다. “한국의 이세이 미야케가 나타났다”는 호평이 쏟아지곤 했다. 하지만 권중모는 호들갑 섞인 칭찬에도 동요하는 기색이라곤 없었다. 어떤 경로를 통해 자신을 알게 됐든 ‘한지공예가’라는 정체성만이 그를 이루고 있다고 했다. 완연한 가을바람이 불던 날, 권중모의 디자인 컬렉션이 가득한 서울 한남동 ZIP739에서 그를 만났다.“나는 한지를 가지고 조명을 만드는 디자이너다. 이것보다 나를 잘 나타내는 표현은 없다.”그의 담백한 자기소개다. 권중모에게 한지는 작업의 전부와도 같다. 권중모가 한지를 처음 만난 것은 스페인 유학 생활 때다. 그는 “스페인에서 다른 나라 유학생을 많이 만났는데, 국가마다 정체성과도 같은 소재가 있다는 걸 깨달았다”며 “핀란드는 자작나무라는 소재를 써서 가구를 만들고, 가죽이 유명한 스페인은 가죽공예가 발달한 모습을 보며 전통적으로 쌓여온 소재를 고민하게 됐다”고 말했다.“한지만큼 한국의 정체성을 잘 나타낼 수 있는 소재는 또 없다고 생각했어요. 연약한 종
노란 얼굴, 얇은 팔다리, 통통한 몸 …어딘가 몸의 균형이 어긋난 인물들이 캔버스 위에서 익살스런 포즈를 취한다. 웃음을 짓는 그림 속 인물들은 자신의 머리 위에 커다란 카세트를 얹어두기도 하고, 반짝이 옷들로 치장한 채 강아지와 함께 춤을 추기도 한다. 두 인물이 나란히 손잡은 채 관객을 바라보는 그림. 그 앞에 똑 닮은 2명의 남자가 나란히 섰다. 브라질 상파울루에서 온 아티스트 듀오 오스제미오스다. 포르투갈어로 ‘쌍둥이'라는 뜻을 가진 그룹명 ‘오스제미오스’에서 알 수 있듯, 두 사람은 1974년 같은 날 세상에 태어났다. 일란성 쌍둥이 형제 구스타보 판돌포와 오타비오 판돌포가 모여 아티스트 팀을 만든 셈이다. 이들은 1980년대 중반부터 브라질 상파울루 길거리에 그래피티 작품을 그려넣으며 세간의 주목을 받았다. 그래피티 외에도 조각, 회화, 설치작품 등으로도 활동 영역을 넓히며 동시대 가장 영향력 있는 스트리트 아티스트 중 한 팀으로 인정받았다. 특히 지난 8월 미국 워싱턴 허쉬혼미술관은 개관 50주년 기념전으로 오스제미오스를 조명했다. 이들을 초청해 대규모 회고전을 열어주면서다. 무려 900점이 넘는 작품들을 미술관 전체에 ‘깔아놓고‘ 오스제미오스 형제의 30년 작업 일대기를 훑었다. 비주류 문화로 여겨졌던 스트리트 아트가 미국을 대표하는 대형 미술관을 점령한 것이다. 세계가 주목하는 쌍둥이 형제, 오스제미오스가 한국 전시를 열고 관객을 만난다. 서울 한남동 리만머핀 갤러리에서 이뤄지는 전시 ‘포털 오브 드림즈’를 통해서다. 2020년에 이어 2번째 한국 개인전이지만, 형제가 한국을 직접 찾는 건 이번이 처
'생명을 색으로 표현하는 화가'다양한 색감을 캔버스 위에 풀어내며 생명에 대한 질문을 던지는 작가 김은영을 부르는 말이다. 그는 뚜렷한 형태를 묘사하는 대신 여러 색을 섞고 칠하며 빈 화면을 채운다. 서로 다른 색들이 섞이거나 밀어내며 만드는 물감의 흐름이 삶과 생명의 리듬과 닮았다고 느꼈기 때문이다.작가 김은영이 오랜 시간 고민해 온 생명에 대한 고찰을 풀어놓는 전시가 열린다. 서울 삼청동 더 아트나인 갤러리에서 오는 8일부터 열리는 개인전 '내재된 리듬'에서다. 이번 전시에서는 그가 2022년부터 올해 상반기까지 작업한 회화 작업 15점이 관객에게 소개된다. 김은영 회화의 정체성인 다양한 색깔들은 모두 각기 다른 생명을 의미한다. 이들이 캔버스 위에서 만들어내는 상호작용은 인간과 자연, 생명 사이의 관계를 뜻한다. 그는 작품을 통해 아름다운 생물이나 인간뿐만이 아니라 이 땅 위에 살아가는 모든 생명을 존중해야 한다는 메시지를 전한다. 색들이 서로 섞이며 변하듯, 인간들도 서로 생명의 리듬을 주고받는 삶을 살아야 한다고 이야기하고 있다.김은영은 회화과를 다니던 대학원 시절부터 색을 사용해 생명의 의미를 표현해왔다. 20번째 개인전을 맞는 이번 전시에서는 그가 탐구한 생명과 색의 세계를 김은영표 추상화로 풀어놓는다.김은영은 전시를 앞두고 “관객들이 이번 전시를 통해 인간과 모든 생명이 자신의 리듬대로 살아갈 수 있는 세상을 생각해 보기를 바란다”며 “작품의 다양한 리듬을 통해 내면의 리듬을 찾을 수 있었으면 좋겠다”고 전했다. 전시는 11월 8일부터 14일까지다. 최지희 기자
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